Regionalstile

World-Musiker in der globalen Kulturlandschaft

Anstelle der Ortsgebundenheit der Kulturen, die sich als Ganzes voneinander unterscheiden und abgrenzen, hat die Vorstellung der globalen Kulturlandschaft eine Art Allgegenwart der Weltunterschiede und Weltprobleme hervorgebracht. Dies setzte vor allem nach dem Fall der Berliner Mauer (1989) und der zunehmenden Deregulierung der Märkte ein.

Regionale Traditionen stehen inzwischen vermehrt im Konflikt mit den Problemen der Globalisierung und sehen sich gezwungen, sich mit den Fragen von kultureller Hegemonie und Eigenständigkeit, von Anpassung und Widerstand, von Integration oder Selbstbehauptung kreativ auseinander zu setzen. Lokale Musikgruppen können sich mit ihren Regionalstilen angesichts von globalen Kulturinhalten

• im Widerstand reaktiv artikulieren (Re-Kulturation, Revitalisierung und Wiederbelebung der alten Traditionen),
• sie können sich zu einem beziehungslosen Nebeneinander unterschiedlicher Musikstile entscheiden (Segregation),
• sie können sich vereinnahmen lassen und das eigenständige Musikleben zugunsten einer importierten Musik aufgeben (passive Integration),
• sie können ihren Musikstil mit einem oder mehreren regionalen Musikstilen vermischen (Synkretisierung oder Hybridisierung) oder
• sie können sich potenziell neue Musikstile ganz selektiv und authentisch aneignen (neue Authentizität).

World Music und die Wahl der Sprache im globalen Pop

Als Antwort auf Globalisierung und Verunsicherungen haben sich viele musikalische Regionalstile in der Auseinandersetzung mit den globalen Trends arrangiert, nehmen letztere auf und formen sie nach eigenem Geschmack und eigener Ästhetik um. Daraus können sich eigenwillige lokale Musikstile ergeben, die zwar auf der globalen Ebene noch im Mainstream erkennbar sind, doch zugleich auch die regionaltypischen Züge tragen und diese zum Teil prononciert, im Sinne einer anti-hegemonialen Ausdrucksform, artikulieren. Dazu gehört auch die Frage nach der Sprache, in der World Music vorgetragen wird.

Fragen der Sängerinnen und Sänger könnten sein:

• In welcher Sprache oder mit welchem Dialekt drücke ich am besten meine Ideen aus?
• In welcher Marktnische produziere ich?
• Wie erhalte ich einen größere Zuhörerkreis?
• Wie komme ich zu einem erfolgreicheren Vertrag mit einem Platten-Label oder wie werde ich zu internationalen Festivals eingeladen?
• Was heißt, in Englisch zu singen, in einer Sprache, die den Weltmarkt beherrscht?
• Wie wird mit einer einheimischen Sprache Widerstand artikuliert?
• Was bedeutet es, wenn Hip Hop in Afrika, Asien, Australien und Lateinamerika indigenisiert wird, d.h. mit regionalen Sprachen und lokalen Musikelementen verändert und differenziert wird?

Dritte Welt – Divergenz und Kooperation über die Grenzen

Kategorien wie „World Music“, Genres wie „Ethno-Pop“ oder Labels wie „World Records Series“ basierten auch auf dem Hintergrund von Diskussionen über Authentizität und Divergenz von älteren, modernen und populären Stilen, nicht zuletzt auch in der bewussten Abgrenzung zu amerikanischer und europäischer Rock- und Pop-Musik. World Music wurde damit eine Art Alternative zum Westen, um auch die Musik der anderen Länder, insbesondere der „Dritten Welt“, ins Bewusstsein zu bringen.

Andere Musikkonzepte waren demgegenüber längere Zeit geprägt durch eine ethnische Selbstbewusstseinfindung wie etwa die Musik der Schwarzen, die Black Music, die sich in der sozialen Auseinandersetzung mit den Weißen äußerte. Auch wenn die Schwarzen offensichtlich Rock oder Popmusik machten, lief dies dennoch eher unter dem afroamerikanischen „World Beat“, wenn es nicht gerade amerikanische oder britische Gruppen waren.

PETER GABRIEL wie auch PAUL SIMON („The Rhythm of the Saints“, 1990) standen am Anfang unter Kritik, in der Zusammenarbeit die Musik und Musiker anderer Länder auszubeuten. Sie hatten aber vermutlich für diese mehr getan als je die meisten westlichen Musikern zusammen, wenn es darum ging, andere Kulturen ins Bewusstsein von Rockfans zu bringen.

Im klassischen Sektor förderte vergleichbar das KRONOS STREICHQUARTETT mit „Pieces of Africa“ (1992) zeitgenössische Musik in Kooperation und in Allianz mit Komponisten aus mehreren afrikanischen Ländern.

Solidarität in der Welt der Musik

Die Attraktivität für afrikanische, asiatische oder indonesische Klänge verweist historisch gesehen auf sozialpolitische und paradoxe Prozesse:

Einerseits ist da die Begeisterung des Westens für das „Exotische“. Andererseits dominiert die europäische und nordamerikanische Musikindustrie mit post-kolonialen Attitüden ihre Vertriebskanäle – trotz der möglichen Kooperation mit Musikern anderer Kulturen.

Die südafrikanische Sängerin MIRIAM MAKEBA setzte sich sehr früh gegen das Apartheid-System ein und musste ihr Land, als ihr die Staatsbürgerschaft genommen wurde, verlassen. Berühmt ist ihr Lied geworden „Miriam’s Farwell to Africa“.

Als sie einen Anführer der Black-Panther-Bewegung in Amerika heiratete, geriet sie allerdings auch dort unter politischen Druck und ging erneut ins Exil, diesmal nach Guinea. Erst 1990 konnte sie wieder nach Südafrika in ihre Heimat zurückkehren.

Gerade Sängerinnen aus Afrika artikulierten über ihre Lieder immer auch Fragen der Machtstrukturen von außen und von innen und prangerten Ausbeutung und Patriarchat an, wie zum Beispiel DJUR DJURA, eine Berber-Frau aus Algerien, die schon um 1970 nach Paris floh.

Das Thema „Frauen und Music“ („Music and Gender“) wurden im globalen Diskurs in den 1980er-Jahren innerhalb von ethnomusikologischen Studiengruppen aufgegriffen. Durch die homogenisierende Kraft des Begriffs „World Music“ ist wiederum eine differenzierte Wahrnehmung notwendig, sodass es nicht erstaunt, im Jahre 2004 einen CD-Sampler unter dem Titel „Global Women: Ethnic Songs from 14 Countries“ vorzufinden.

Regionale Ausdrucksformen, die bis dahin isoliert waren, werden plötzlich übernational in einer neuen Solidarität in ihrer Gemeinsamkeit als „World Music“ erfahrbar gemacht.

Weltmusik und die differenzierte Wahrnehmung der Musiken der Welt

CD-Kompilationen und Musikfestivals schafften sehr schnell eine neue veränderte Wahrnehmung unter dem Gesichtspunkt von Ländern. Einige Beispiele:

• „Sound of South Africa“ (2001),
• „Celtic Legacy: A Global Celtic Journey“ (1995)
• „Global Meditation“ (1992)
• „Global Celebrations“ (1993)
• „Voices of Forgotten Worlds“ (1993)
• „The World of Traditional Music“ (1994)
• „The Anthology of World Music“ (1998 ff.) usw.

Es ist deshalb nicht verwunderlich, dass der homogen gedachte Begriff der World Music inzwischen wiederum nach pluraler Differenzierung in „musics of the world“ drängte.

Die 2002 zum ersten Mal verliehenen Preise des BBC Radio Awards for World Music unterteilen diese inzwischen wieder nach dem Regionalprinzip in „Europa, Asien/Pazifik, Americas“ und in die zusätzlichen drei Kategorien „grenzüberschreitend“, „Innovatoren“ und „Newcomers“.

Kontrastprinzip – Zusammenprall der Stile (KERBERBROTHERS ALPENFUSION: „Sepp, bleib no do“ von der CD „Deutscher Folk Förderpreis, 1998, Nr. 2“):
Die bayerischen KERBERBROTHERS machen traditionelle deutsche Volksmusik, experimentieren jedoch auch mit transglobalem Ethno-Pop, Free Jazz, Rockmusik und Rap. Sie bezeichnen ihre Art der freien Volksmusik als „Alpenfusion“. Mit Hackbrett, Horn, Alphorn, Trompete und Posaune, Zither, Bass, Perkussionsinstrumenten und Gesang wurzeln sie in der traditionellen (lokalen) Volksmusik Bayerns, folgen ihrer Grundstruktur und schaffen zugleich eine Brücke zu neuen, individuellen Improvisationen und Kompositionen. Mit dem neckischen Volkslied „Sepp, bleib no do“ prallen unterschiedliche Stile hart aufeinander und werfen damit konkret auch die Frage auf, wie unterschiedliche Stile miteinander trotz ihrer strengen Kontraste „integriert“ werden können:

„Unsere Absicht ist es, auf neue Art (statt der üblichen Synthese alter und neuer Musik) mit dem Konzept der Gegenüberstellung – mehr auf gefühlsmäßiger Ebene als auf der intellektuellen – an die alte volksmusikalische Empfindung anzuknüpfen, um sie mit dem Zeitgeist zu verbinden.”

Minimal Music auf Instrumenten bolivianischer Indios („Imaraycu“ = „Warum?“ von der CD „Arawi. The Doctrine of Cycles. The Contemporary Orchestra of Native Instruments, 1990, No. 5“):
Zeitgenössische Orchestermusiker eigneten sich die Spielweise indianischer Musikinstrumente an, die über die Jahrhunderte während des Kolonialismus von der Elite als „primitiv“ und verachtet ausgeklammert blieben. Diese neue Akzeptanz des Traditionellen vermischt den Typus der modernen „Minimal Music“ mit dem Klangfarbenreichtum der Tarka (Kernspaltflöte), die traditionellerweise von bolivianischen Bauern nur während der Regenzeit gespielt werden.

Eine multikulturelle Gruppe im grenzüberschreitenden Musizieren
BUSTAN ABRAHAM ist eine jüdisch-arabisch-amerikanische Musikgruppe in multi-ethnischer Besetzung. Das Instrumentalensemble umfasst eine persische Zither (Kanun), eine Laute (Ud) aus dem mittleren Osten, spanische Gitarre, amerikanisches Banjo, europäische Geige, arabische Bechertrommel (Darabuka) und aus Afrika eine Rahmen-Trommel (Deff) sowie einen zusätzlichen Kontrabass. Es ergibt sich ein „melting pot” verschiedener Musikinstrumente im simultanen Ausdruck differenter Kulturen und Aufführungsstile. Stilistisch handelt es sich um ein integratives Konzept.
Geigenmusik der Roma erklingt in Kombination mit Mustern des spanischen Flamenco über einem langsamen Rhythmus des Mittleren Ostens.
Die Musik beinhaltet eine multikulturelle „Performance”, übermittelt von Musikern mit jeweils unterschiedlich ethnischer Herkunft.

Transkultur – Samplingverfahren und die Erkundung neuer Klänge jenseits der Zeit- und Raumbezogenheit
In LÁSZLÓ HORTOBÁGYIs elektroakustischen Landschaften erklingen Konstrukte einer fortgeschrittenen Medientechnologie. Sampling, traditionelle Gongs und tibetische Rezitation, Glokken, Bordune, zeitlose Raumklänge, Imaginationen neuer Klangvisionen und Klangkombinationen erscheinen, wie in anderen Kombinationen, auch als râgamelan (zusammengesetzt als raga und gamelan) Barock-Raga, kriti-Barock, Trance Macabre usw.
Zwischen Mythos, Magie, Futurismus, psychomusikalischer Expedition und virtuell konstruierter „Fakelore” bewegt sich das breite Spektrum solch ortloser Klangfantasien.

Authentizität jenseits von Purismus, Revival, Synkretismus und Transformation
Der beschleunigte Modernisierungsprozess im Verbund mit den medientechnisch globalen Entwicklungen ist unumkehrbar geworden. Ein Konsens über kulturelle und im besonderen über musikalisch-ästhetische Inhalte scheint weder im lokalen noch globalen Bereich möglich noch angestrebt zu sein. Zu durchlässig sind die unterschiedlichen Kulturen, Stile und Gattungen, Interessen und Geschmacksvorstellungen.

„Jede Art von Musik ist gefangen zwischen Konservieren der alten Weise und der Neudefinition durch die Gegenwart.”
(W. A. MATHIEU, CD Planet Soup 1995:5).

Das Authentische einer Musik kann nicht essentialistisch in einem historisch-gesellschaftlichen Zeitabschnitt gefunden, sondern ausschließlich im individuellen Prozess eines authentischen Musizierens, Improvisierens oder Komponierens gesucht werden.